刘聪：我喜欢直面，赤裸的语言状态

刘聪，纸 - 肖像，红 | Paper - Portrait, Red，2022

布面油画 oil on canvas，270x180cm 

刘聪，白纸 | White Paper，2022～2023

布面油画 oil on canvas，180x810cm

OUIART：

能否分享一下你进入绘画的原点或起点？为什么在众多的艺术形式中，你偏偏选择了绘画？对你而言，绘画是一种怎样的工作？

刘聪：

开始当然都是因为喜欢，能持续下来也是伴随很多偶然，因为一直有想画的欲望，也总有想不太清楚的问题，画着画着又不断有新的体会和想法，就这样画下来了。绘画相对其他媒介在操作上相对简单直接，一个人可以把控，而且在足够认识以及接受它的局限性之后，充满可能性的一面又对人打开，是很有意思的事情。

刘聪，黑球和白球 | Black Ball and White Ball，2023

布面油画 oil on canvas，85x75cm 

OUIART：

在展览“漫长的此刻”中，我们看到了你的一系列新作。其中，你画了许多“纸张”，由此衍生出来的物体在空间中的轮廓关系，似乎复杂于你之前经常调用的日常物，诸如“气球”“镜子”“滚筒刷”“纸杯”等所要形成的轮廓关系。能跟我们简单谈一下，你在创作“纸”系列时的主要想要处理的是什么？

刘聪：

首先，我一直都是在处理眼前的画面，这是我在过程里唯一面对的事。具体到画面，我希望画面的表达秩序能够尽可能的清晰准确，理性框架在开始就是比较明确的，也就是所谓的方向感。但作品的推进和完成一定是以当下的感性经验为尺度。具体到这次展览，我希望展览本身是一个完整的作品，空间和作品之间存在结构语言的关系，包括展墙的尺寸，空间结构，墙面颜色的处理，都和作品自身的内容形式存在感受上的关联。这对我来说和面对画面的逻辑其实是一致的，差异在于，平面和立体，是空间的两个维度。

OUIART：

在我看来，这次展出的新作还有一个特点，就是你把这些日常物都置于一个非常有限的空间里面，非常聚焦。为什么要这么做？与此同时，我也非常好奇，在你的画框/视角之外是什么？你是如何选取包括或不包括哪些内容的？

刘聪：

我在展厅里放了一段文字，是这样说的：“我把物从它们所处的经验世界里抽离，洗掉附着在它们表面上的种种含义，以相对赤裸的状态置于我的目光之下。这给与我面对艺术的自由度，让直观体验成为可能。”

我喜欢直面，赤裸的语言状态，我也希望让作品所有可感的内容平等的呈于表面。

视角之外是无限杂多，人的视角都是有限的。画面里确立的形象，对我而言，其作用是结构画面的支架，容纳色彩的载体。

刘聪，纸 - 重叠 | Paper - Overlap，2022

布面油画 oil on canvas，153x260cm 

OUIART：

有一段时间，你借助照片来画画，后来你舍弃了这种方法，为什么？

刘聪：

借助照片画画不是新鲜事，不同的画家会用不同的方式使用照片，艺术史上也有很多关于绘画和照片的种种讨论和艺术实践。有段时间我对里希特很感兴趣，以及对比利时艺术家吕克·图伊曼斯，米歇尔波若曼斯也非常感兴趣，当然还有大卫·霍克尼，这些艺术家的绘画创作都和照片-影像有关，但我越是了解和欣赏他们的创作，越觉得没有属于自己的角度，所以只能另谋出路。

OUIART：

你的作品有意摒弃了“叙事性”与“想象力”而关注“结构”与“形式”。（这与你在创作中试图剥离摄影/照片的影响有关吗？）但对于一个创作者而言，前者可能更容易体现所谓创作的“创造性”与“主体性”。你是如何思考绘画中的“叙事性”“想象力”“结构”“形式”，以及它们之间的关系？

刘聪：

有一定关系，但我认为当代人不太可能“剥离”摄影-照片对视觉的影响，就像海尔格尔说过的那样，它对人们感知经验，甚至对如何理解身处其中的世界，影响是非常深刻的。

如今我们更是生活在无处不在的图像信息流之中。有很多优秀的摄影-影像艺术家，同样是非常有创造性的主体，很多摄影-影像艺术家处理图像的方式甚至比画家更像画家。媒介角度的区隔我觉得并不重要，视觉语言在媒介上是平等的，但不同的表面质地，语言形式，确实会随之带来不同的阅读和感受方式。

绘画中的“叙事性”，这是个很大的话题，甚至在绘画里其实是个技术问题，简单来说，在我的理解里，叙事性和想象力是一种结构关系，包括观众在欣赏艺术作品的时候，在阅读结构里产生的东西，它不是一个外置的概念。

OUIART：

削弱“叙事性”与“想象力”，转向一种更为谨慎、理性的表达方式，是在抵抗图像/图像技术的泛滥/滥用，还是在抵抗绘画本身在这个时代所遭遇的困境？

刘聪：

我不太确定你怎么理解“叙事性“和”想象力“，通常人们对想象力的理解，会有比较多浪漫主义和象征主义的内涵，但在我的理解里，想象力是有结构属性的，是在看似不相关的事物之间建立联系，那些联系给予被联系的事物一种全新的感觉，在新的语境里激活了它们，甚至带来某种重生感。

我并不认为自己在削弱想象力，确切的说，是对“自我”在图像中的投射有一定抗拒，以及在视觉艺术语言里，对过度依赖文学性的审慎态度。绘画有自己的语言，而且有很强的物质属性，它的存在本身是一种形式。

绘画好像没什么困境，或者说曾经有过遭遇困境的假设，有些人围绕对困境的假设进行一些本体论的思考。但如果你愿意相信，也可以做出完全不同的假设和判断。也不是抵抗，都是发自兴趣。

刘聪，白气球 - 上下 | White Balloons - Up & Down，2022

布面油画 oil on canvas，190x153cm

OUIART：

以一种抽离与提取的方式来描绘的日常物，是否会将生活中更丰富、更复杂的讯息/经验也排出在外了？以至于在表达层面上，创作者仅仅建构起了一种虚假的开放性？

刘聪： 

首先我不是在描绘日常物，而是借助日常物来完成绘画的表达，我们看到的是绘画作品而不是日常物，围绕艺术发生的一切，回应并丰富了生活的经验，它们是这样一种关系。

其次任何表达都会有它的视角，而且视角里存在人所固有的有限性，我们能做的，是对有限视角的自觉，所谓知道我不知道。

开放性和信息的复杂程度不相关，开放性建立在感受和想象力的基础上，一张白纸的开放性有可能胜过一本书。开放性于我而言同样是一种结构，不仅仅是表达主体的单向输出，同时也是接受主体的感知理解，而且在不同维度里，存在思想或者感受的开放性。

OUIART：

你是否会认同，一定程度上，绘画者或创作者都在扮演译者的角色，既通过一系列自我设定的“程序”“方法”试图让人们“领会”我们所“看见”的世界？

刘聪：

不是译者，是创造者，艺术是无中生有，绘画是在平面上的造物。面对绘画的第一感受永远是直面而来的感性直观，“领会”是有所感之后，经过理性思考重塑出来的感性。“看见”是非常好的状态，其实日常生活里我们对太多东西视若无睹。创作的程序或者方法，可以理解成语法，人们正常的说话和交谈需要逻辑，这并不意味着“表达”是某种灌输或者说教。

刘聪“漫长的此刻”现场图，香格纳画廊 (北京)，

2023年3月3日至5月7日，

图片由香格纳画廊提供